Projects
Park Cheonkang Architects

그 성엔 하늘에서 내려오는 숲이 있었어…

‘자연 속의 미술관’이란 타이틀은 언제나 멋지다. 과천 국립현대미술관은 이런 ‘자연 속 미술관’이 되고자 한다. 서울과 멀지 않은 거리지만, 꽤 깊은 숲 속이라는 아우라를 풍기고 있는 주변 세팅은 이 목적을 위해서라면 이미 충분히 훌륭하다. 그러나, 안타깝게도 고성(古城)[1]과도 같은 건물의 실내에 들어가는 순간, 외부의 풍요로운 자연은 쉽게 느껴지지 않는다. 램프코어에 난 작은 창들을 통해, 또 각 전시실로 통하는 브릿지에서, 그리고 중정 전시실에서 저 멀리 ‘배경으로서의 자연’은 펼쳐지지만, 시야에 들어오는 주된 풍경은 어디를 가든 발가벗은 모습을 한 옥상의 회색 방수 코팅면이다. 이 상황을 어떻게 역전시켜 볼까?

 

이 건물에서 가장 드라마틱하고 독특한 캐릭터를 가진 공간은 실린더 형태의 램프코어 공간이다. 이곳은 건물 전체에서 유일하게 수직으로 상승하는 공간이다. 이 램프코어 공간을 식재들로 가득 차고 아래에서 위로 올라가는 ‘다다익선’[2]의 음각형태로 외부공간을 만들어보자. 다시 한번 사람들이 판테온과도 같이 원형공간 바닥의 가운데 영역을 점유하여 이 공간을 온몸으로 느낄 수 있게끔 하자. 그러나, 건축내부에 포획되어 아기자기하게 꾸며지고 길들여진 ‘중정으로써의 자연’이 아닌 우리의 기대와 안정성을 빗겨가는 자연을 만들자. 우리가 압도감을 느낄 수 있는, 건축물의 숭고함과 당당히 맞설 수 있는 자연. 우리가 당연한 듯 간단히 재단해버리는 ‘자연스러운 자연’을 넘어선 ‘판타지로서의 자연’. 철저하게 우리의 자연을 바라보는 내적 욕망을 극단까지 상상해보는 ‘잡종 자연’.

 

떠 흘러가는 거대한 야생의 숲이… 이곳에 정박한다. 이 건축에 포획되지 않으려는 ‘자연 덩어리’는 엄밀히 말해 세계수(世界樹)도, 라퓨타도 아니다. 그 둘 사이의 어딘가에 위치한다. 램프코어의 공간은 내부의 수직적 경험을 더욱 충만하게 하기 위해 4m를 높인다. 그리고, 상부의 프레임에서 철재 기둥들이 솟아올라 식재를 담는 (망사와 이끼로 유지되는) 흙을 지지한다. 이 흙 토대는 가운데가 빈 도넛의 형태로 만들어 비, 눈, 빛을 램프공간 바닥면까지 내려오게 한다. 그 위로는 한국의 토종 식물인 소사나무, 느티나무와 각종 관목류를 심고, 흙 아래로는 석송류(club moss), 덩굴장미, 다육식물(succulent plant), 송악류(ivy)를 늘어뜨린다. 이 식물들은 마치 세 겹의 커튼처럼 램프 내부의 텅 빈 공간을 감싼다. 램프는 기존의 콘크리트에서 유리블록으로 교체하고 블록 내부에는 전구색 조명이 들어가 통로를 밝히는 빛이자 식재를 둘러싼 반딧불이 된다.

 

[1] 물론 고성이라는 개념은 소위 ‘자연’과 묘한 방식으로 조우한다. 세계 각지에서 발견되는 ‘고립된 문명’, 혹은 ‘자기-보호장치로서의 건축’이라는 개념-이미지를 지니고 있는 ‘고성’은 자연(이라고 우리가 부르는 것)과 인공-건축(이라고 우리가 부르는 것)이 각자의 욕망을 솔직히 드러내며 병치되고, 주변의 자연과 비교해 건축물의 규모가 상대적으로 작기에, 어색하지 않게 자연과 어우러지고 있다는 본능적-무의식적 느낌을 준다.

 

[2] 다들 알다시피, 이곳은 현재 고 백남준 선생님의 ‘다다익선’이라는 작품이 공간을 압도하고 있다. 램프를 따라 올라가면서 바라볼 수 있는 계속해서 변하는 이미지로서의 기념비이자 숭고한 탑이다. 공간에 딱 들어맞는 절묘함으로 인해, ‘다다익선’은 지난 24년간 과천 국립현대미술관의 아이콘으로써 기억되고 있다. 그러나 이 건물의 건축가인 김태수 선생님의 초기 설계 의도와도 같이, 이 공간을 다시 아래로부터 꽉 차 올라간 공간이 아닌 비워낸 공간으로 되돌리고자 한다. 죽음을 상징하는 탑의 공간이 아닌 생명으로 가득 찬 공간.

TYPE: 이미지 / 디지털 프린트
YEAR: 2016
STATUS: COMPLETED
LOCATION: 국립현대미술관 과천관 ‘상상의 항해’ 전
CLIENT: 국립현대미술관
DESIGN: 박천강, 구보배 (조경)

안은미래

안무가 안은미의 서울시립미술관 전시를 위한 임시 무대다.

 

본관 1층 전시실의 4m 천정고에서 내려오는 투명한 곡면, 그리고 그 면에 안은미의 상징적 기표 중 하나인 반복적인 흰색 원을 프린트하는 작업을 제안했다.

 

계속해서 변하는 투명한 벽면의 곡률과 45도 그리드 위에 새겨진 점의 규칙적 배열은 3차원의 공간에서 그 배열이 휘고 겹쳐지며 끊어지면서 그 규칙성을 일정부분 유지한 채 매우 복잡하고 예측 불가능한 역동적 이미지를 가능케했다. 특정 소실점에서는 일종의 모이레(moire)효과도 유도된다.

 

투명한 벽은 (안은미 컴퍼니 무용가들과 관객들이 춤을 추고 강연을 듣는) 중앙 무대를 둘러싸고 사람들이 이동하는 통로이자 객석으로 이용되게 된다. 멀리서는 기하학적 운무(雲霧)를 만들며 관객과 배우의 관계는 계속해서 전치된다. 관객의 움직임이 곧 춤이 된다.

 

Fig 1. 고조선 청동 거울,
거울 배면의 번개무늬, BC 2000년 경

TYPE: 설치 (Installation)
YEAR: 2018
STATUS: NOT COMPLETED
LOCATION: 서울시립미술관 본관
CLIENT: 안무가 안은미
AREA: 900m2
DESIGN: HAPSA | 권경민 - 박천강
DESIGN TEAM: 김혜준, 김효빈, 박재균

움직임을 만드는 사물

“아침 7시 반. 선잠에서 깨어 더듬더듬 빽빽거리고 있는 (470mm 높이의) 나이트 테이블 위의 알람을 힘없이 푹 누른다. (440mm 높이의) 침대에서 무거운 몸을 일으킨 후 화장실로 이동해 (800mm 높이의) 세면대 위에 놓인 비누를 집어 세안을 하고, (1000mm 높이의) 선반에 있는 칫솔을 집어 박박 이를 닦는다. 아래층으로 내려와 냉장고에서 파프리카, 냉동 닭고기, 양배추, 과자 부스러기, 우유를 꺼내 (900mm 높이의) 주방 상판에서 적당히 조리한 후 (750mm 높이의) 테이블로 옮기고, (450mm 높이의) 의자를 끌어당겨 앉아 조촐한 아침식사를 시작한다.”

 

우리의 일상은 무수한 높이들로 감싸여 있다. 그리고 그 높이들 위에는 각종 사물들이 자리하게 된다. 그리고 이들은 우리의 신체 치수와 결부되어 항상 특정한 움직임을 유발한다.

 

이번 전시 디자인에서는 일상의 사물(공예 혹은 가구)들이 우리가 익숙한 여러 높이와 폭들을 가진 벽 위에 살포시 놓인다. 또한 오리나무라는 작은 재질은 우리에게 가장 집(domestic)의 감응을 주는 연상시키는 장치로 기능하지만, 측면의 지그재그 패턴은 그 위에 놓인 사물들에게 숨어있는 조용한 비일상을 제공한다. 벽의 높이는 바닥에 가까운 60mm에서부터 의자의 높이 400mm, 또 책상 높이인 800mm 등 다양하게 주어, 사물을 보는 방법과 자세를 풍부하게 하려 했다. 혹자는 여기서 이 낮은 벽들 혹은 높이들로 이루어진 공간에서 라스 폰 트리에의 영화 ‘도그빌(2003)’에서의 어렴풋이 구획된 방들도 볼 것이고, 다른 이들은 흙벽과 바닥을 파고 유물을 캐내는 고고학 발굴 현장을 떠올리기도 할 것이다. 벽들, 그리고 그 위에 놓인 이번 작품들은 일상과 비일상 사이를 미묘하게 교차하며 사물과 관계하는 우리의 움직임들을 유도할 것이다.

TYPE: 전시디자인
YEAR: 2017
STATUS: COMPLETED
LOCATION: 프로젝트박스 시야
CLIENT: 우란문화재단
DESIGN: 박천강
DESIGN TEAM: 이정미
FURNITURE FABRICATION: 금성테크
 
협력기획: 박경린
 
참여작가: 김계옥, 김소현, 김혜란, 배세진, 안성만, 오석근, 이상민, 이슬기, 장정은, 정령재, 정용진, 조미현, 홍범, 패브리커, 그레이트마이너, 프래그 스튜디오, 조현일, 박천강